contact@sophieutikal.net

I am a textile artist and create sensual worlds that encourage my audience to be vulnerable with each other. My centerpiece is always my brown body and a feeling I translate. I sew by hand and my works can go up to 7 meters. I want to own the space with my works and to dominate with my softness.

Meine Kunst ist für diejenigen, deren Biografien nicht medial oder strukturell repräsentiert werden: Erste, zweite, dritte Generationen von Migrant*innen in Deutschland, Hybride, die ständig rausfallen und sich ihre eigenen Communities neu begründen müssen. Ich glaube, dass es notwendig ist, in der eigenen Komplexität gesehen zu werden, um zu sein. Das möchte ich mit meinen Bildern bewirken. 

Interview with magdalena adameczek
from guest rooms xyz

february 2021

M.A.: The first thing that intrigued me in your textile works is the context in which you depict the female body. Even though you portray very intimate situations, often the women figures are in a way dehumanized, as they lack facial features. In “Curanado/Catching my own tears”, which pictures a crying girl, we can see no eyes but the teardrops falling. You seem to focus on the colour of skin and hair of the women rather than the details of their facial features.

S.U.: My focus in my art is the body and its language. I start my drafts with my own brown body and my black hair, and think of scenarios that transmit a feeling I want to talk about. It can be for example my anxiety because of the climate crisis, despair within loneliness, trust in the face of change. I think if I would add facial features then they would distract from what the body is telling in these moments, since this is what usually happens. We have conversations with our faces but not with our bodies, at least not consciously. 

M.A.: Your women are often curled up alone on the bed, tied with ropes, or grief-stricken, although you present these situations with delicate, pastel colors. Where does this contrast come from?

S.U.: I am interested in the ambivalences that come with a crisis. It can be painful but usually can teach me something. In the best case, I don’t stay stuck in the crisis but move on to transformation. So if I want, the pain can become my teacher. But to get this motivation for change, I first have to admit what is going on inside of me. I want my women to have this power to change what is hurting them and for that, I believe they need to enter a vulnerable space at some point. I want to create this soft and welcoming environment within themselves. Being vulnerable is frightening and I hope in the process I can learn from them.

M.A.: How everyday life and the pandemic situation inform your work? Do the series ‘Quarantine’ and this unusual situation have a special place in your overview?

S. U.: All of my everyday life is in my works. The books I read, news I watch, things that move me, scare me, everything. I digest it in my textile works. Since I sew by hand I can slow down and stay with one experience for several days or weeks. Now with the coronavirus, of course, things have changed. I moved to Berlin last summer and I am without a social network for quite a while now. I am a very social person so these limitations are depressing for me. But I am privileged and grateful that I can continue working as an artist and when I work, I completely forget about my isolation. It is my escape, so I am now working most of the time. The ‘Quarantine’ series is special for me because I started working on a smaller scale. I did not know how long the lockdown would continue and how long the fabrics I still had at home would last. So my works were then only 1m long instead of 4 or 5m. Also, I started producing textile works just for me, my home, and my own pleasure, without having an exhibition or curator in mind. Returning to this decorative function is also the initial idea of the arpilleras, which are little textile images in South America that depict everyday life and have the aim of bringing memory and beauty to the home. I have been familiar with these images since childhood and they have been an inspiration for me to start with this medium of figurative textile storytelling. 

M. A.: Your knowledge of human carnality is impressive. Would you like to tell me more about the Grinberg Method in your practice?

S. U.: I think you can find many aspects of the philosophy of the Grinberg Method in my work. The Grinberg Method is a teaching method on how we limit ourselves in life and how this becomes very evident in our bodies. I studied to become a Grinberg Practitioner, that is a person who guides you 1:1 through your patterns and helps you become aware of your body in the situations you want to change. The  idea is that we create most of our patterns because we were afraid of a painful situation in the past, probably for very good reasons. For example, I was afraid of being alone as a child, so I became very good at staying in toxic relations until today, even though my reality has changed and I am not a child anymore. Of course, we create a lot of our patterns because of the structural injustice we live in. Capitalism has created a hostile and inhuman society and any form of oppression is traumatizing. It can disturb our sense of safety, dignity, belonging, if we do not learn how to process what happened. When I learn to heal, then I am able to bring all of myself into the present situation and unlock the power that I lost. So you see that the Grinberg Method is about personal emancipation, trusting the body, and being brave enough to be vulnerable. These are elements of my works as well. I think all bodywork methods aim at emancipation on a personal level while art tries to do this on the level of our imagination. I think these are processes that need to come along with social organizing for a broader liberation in our society.

M. A.: “My technique, in which the black thread remains visible, is based on textile works that are made by women in my family in Colombia and with which I have been familiar since childhood. In the pictures, I use the representation of my body as a starting point to tell stories based on traumatic as well as pleasurable experiences of migration and self-empowerment as a woman of color in Austria”, as you put it in another text I came across. Women’s intimacy or the absence of brown women or various body types - these notions seem to be touched upon in your work, both from ethical and sexual angles. You have lived in Berlin recently. What would you say the city and its local scene still offers the newcomers and emerging artists, and how does the problem of diversity present itself?

S. U.: Well, it is hard to tell because everything is on hold at the moment. But on my personal level Berlin and especially Neukölln has still given me a sense of home and belonging because of its very diverse migration population. The last seven years that I lived in Vienna in Austria were often difficult for me, because I faced direct racism in everyday interactions from the very beginning of my stay. I had not made this experience before while growing up in Germany and it made me feel more anxious and insecure in public spaces, often I wished to be invisible. Since I came to Berlin I have a completely different relation to my surroundings, I feel like I own the city because I live in a neighborhood with so many people that look like me.

M. A.: However, not only the women's body is visible in your work. In “Starry Night”, presented as a large-format installation on Karlsplatz in Vienna, you depicted a car hanging on in the air upside down seconds before it crashes. It seems like this one stands out from other works made by you. 

S. U.: My work “Starry Night” is a crashing German police car and a critique of the police as an institution. I was imagining myself in the future where the police does not exist anymore and is washed ashore as a relic from the past. The police and how it is functioning right now scares me and I believe that it needs to be abolished and new community-informed groups must be built. I know that this will require other re-imaginations of our society on every level to keep life safe for everyone, but I believe that it is part of an artist's job to trace how this might look like. There is already a lot of great work on this topic here https://abolitionistfutures.com/full-reading-list and here https://www.themarshallproject.org/records/3382-police-abolition 

M. A.: I'm curious what is on your reading shelf. Is there anything you would like to share? 

S. U.: I'm currently reading two books by Alexis Pauline Gumbs right now. One is called “Undrowned: Black Feminist Lessons from Marine Mammals” and the other “M Archive: After the End of the World”. I love both books because Gumbs turns her black feminist theory of liberation into a narrative that is personal, poetic, and very accessible. Both books work with powerful metaphors that are changing how I perceive the sky, the sea and our society. There are also great podcasts with Alexis Pauline Gumbs which I have been listening to while I sew. These two I liked a lot: https://open.spotify.com/episode/4WHd2kIyzN8cZQcwh07TaH?si=NiUmJ3OGQB2NLYjsrtyhJA and the other is https://open.spotify.com/episode/5InxYtaXwTOB09iygQl1EM?si=9eAhgrODRdKrRxqfY18xIw 

LINK to the interview on Guest Rooms XYZ

In preparation of Sophie Utikal’s solo show at WE DEY x SPACE, Sunanda Mesquita asked Sophie Utikal, a few questions about her artistic practice and what she is expecting from exhibiting in this particular space focused on BPoC arts in Vienna. Her current series “Threads of Selves” is on view from 12th -29th of October 2017 at WE DEY x SPACE, Kandlgasse 24, 1070 Vienna.

S.M.: Thanks Sophie for taking your time! How would you choose to introduce yourself to someone who doesn’t know anything about your art works yet?

S.U.: My work is about stitching together textile fragments into self portraits of the different landscapes and imageries I see within my body. I use very soft and harmonic colors but stitch everything together with black thread, this makes the borders seem very rough. Because my drawings do not care so much about the “right” proportions and are very simple, the images look childish, which I really like a lot. And still, my technique of sewing everything together by hand is such a difficult and also intense process. I think my images are about breaking binaries of simple/complex, soft/hard, beautiful/disturbing, superficial/deep.

S.M.: Textile art production is embedded in many indigenous communities and communities of color- can you tell us a bit more about your work process and if/how you are referring to these herstories? What made you start to work in this medium?

S.U.: Yes, this is true, the women in my mother’s family from Colombia work with textile and produce textile images that are very simple and complex at the same time. They depict scenes from the everyday life on the countryside, farm animals, trees and houses. I was always fascinated by these images and wanted to apply their storytelling to my surroundings, my body and point of enunciation. The way the borders of my textile fragments are stitched together is a very clear reference to their works. In my case though, I chose to use a black thread to emphasize every stitch I make, instead of hiding them, which would a more common method. I want to make the process and the work visible which are necessary to create these highly complex artworks which are usually called naive art in the Colombian context.

S.M.: Can you tell us more about the series “Threads of Selves”, which you are going to exhibit at WE DEY x space?

S.U.: It is a series of my bodies in different situations and moments I have experienced. You can see me in very powerful positions, flexing into all directions throwing knives towards my surroundings but also in more calm in melancholic moments, lying around in my bed on an island. On one image I am embracing another body, we flow into each other and thereby create a new body of fragmented bits and pieces. Right now I am working on a new piece for the exhibition which will show me in a position I learned for healing traumas. You lie on your back and lift your pelvis until it starts shaking by itself. This movement is very common also for some animals like rabbits, that after the moment of danger and shock has passed they start trembling all over their body to release the anxiety and fear. Humans usually do not do this, so the trauma might stay within their body forever. My images are my own way of storytelling and making my insides visible.

S.M.: You are planning a workshop named “Stitching Stories” which will focus on collective textile painting making. Can you tell us who the workshop is for and what you are imagining as a possible outcome?

S.U.: The workshop with be exclusively for Black People and People of Color. And as a possible outcome I wish to manifest ourselves into a material form, while connecting what was meant to stay separate. While stitching we will talk, relax and meditate on what it feels like to inhabit our bodies and how we navigate ourselves through our everyday life. I will provide all material necessary. There will be drinks and snacks. The workshop is for free. All skills are welcome.

S.M.: Where & how was your work presented before and what did you like about it/ what would you want to be different this time at WE DEY x space? What are your expectations?

S.U.: Until now my work was presented in informal everyday life settings of my home or of friends. I wouldn’t mind if bigger institutions would invite me to do a solo show, since i still depend on their capital (resources, prestige, networks, cash). Still, I would not expect the audience to identify with my works or be touched on an emotional level. I am sorry to say that in Vienna the big institutions are still white ones, that also attract a white audience with their own white reality. Since my images deal with my body which is outside of the white eurocentric norms, I think the gap will be too big to feel what I feel in my works, but of course I am open for surprises and even hope that my works can create connections where there were none before.

As WE DEY is a self-organized space by black and people of color I also hope for an audience of Black and People of Color. I am the most happy when I feel understood and I really hope that this will happen with people who share some of my experiences as a Woman of Color.

S.M.: We have focused previously on the topic Self Care at WE DEY x SPACE- I would be very interested in knowing what does radical self care mean to you? Did you work before with this particular focus?

S.U.: The process of creating, feeling my body and recognizing myself in Others is what radical self care means to me. This can be writing a letter to my ass and designing free posters with a portrait of me embracing my butt and the love messages I feel for my body. This is what I did in my other work called “culo con orgullo”. Connected to this work I also did a writing workshop, where all the participants wrote love letters to one of their body parts, then we exchanged the letters and another person answered from the perspective of the addressed body part. It was a very intense, funny and healing experience for all of us.

S.M.: Thank you Sophie Utikal I am looking forward to your Vernissage this Thursday 12th of October!

Sunanda Mesquita
Co-founder of WE DEY

LINk to the interview on we dey

Interview mit Fluctoplasma

A.S.: Herzlich willkommen zum Künstlerinnengespräch im Rahmen von Fluctoplasma. Ich freue mich sehr, dass heute Sophie Utikal zu Gast ist, und dass sie einen Teil von unserer Ausstellung bestreitet im Ernst Deutsch Theater. Herzlich willkommen. 

S.U.: Danke. 

A.S.: Dieses Festival, das Fluctoplasma Festival, das dieses Jahr zum ersten Mal stattfindet, wird in den nächsten drei Jahren insgesamt drei verschiedene Stadien von Themen durchlaufen. Wir starten in der Hölle und unser Thema ist “Blue burning”. Siehst du da Zusammenhänge zu deinen Arbeiten? Was assoziierst du mit diesem Thema?

S.U.: Ja, ich habe keine Ahnung, was es bedeutet: “Blue burning”. Oder um was es geht. 

A.S.: Also, wie ich es verstehe, geht es um tiefsitzende Schmerzen mit dem Ist-Zustand, wie er heutzutage in unserer Gesellschaft ist. Woran man sich aufreibt und ein bisschen zerfleischt auch. Und in Kombination mit einer Form von Melancholie.

S.U.: Also “Blue inner burning”?

A.S.: Ja, genau. Also die innere, traurige Flamme. Siehst du dich da? Was assoziierst du damit?

S.U.: Also, mit meinen Arbeiten, da geht es auch viel um innere Prozesse, inneren Schmerz, Traurigkeit, unangenehme Gefühle, dafür Platz machen und das nach Außen zeigen, Außen bringen, Symbole dafür finden. Aber in meinen Arbeiten versuche ich mich mehr auf Empowerment zu fokussieren und nicht so viel auf den Schmerz. Natürlich kann es empowernd sein, den Schmerz zu spüren und sich damit auseinanderzusetzen. Aber ich versuche schon immer, wenn man meine Bilder ansieht, das man dann eine Stärkung erfährt. 

A.S.: Dann würd ich sagen das passt trotzdem sehr gut in den Fluctoplasma-Kontext, weil es geht ja um die Kontextualisierung und diesen Schmerz zu reflektieren und daraus trotzdem natürlich eine Stärkung, eine Vision oder eine Utopie zu finden. Du machst sehr große Stoff-Textil-Arbeiten, die im besten Falle frei in Raum hängen. Ich habe mich gefragt, woher du deine Inspiration nimmst? Und wie der Entstehungsprozess von so einem Bild ist? 

S.U.: Generell verwende ich eine Technik, die von den Arpilleras inspiriert ist. Das ist eine Handwerksform, die es in verschiedenen Ländern in Südamerika gibt und auch die Frauen in meiner Familie haben das gemacht. Mir hat das gut gefallen, diese Arpilleras zu sehen, kleine handgenähte Bilder, die ganz figurative Abbildungen zeigen vom Alltag. Da können Häuser drauf sein, Bäume, Autos usw. Das ist mehr für Dekoration zu Hause gedacht und dann hängt unten noch ein kleiner Kalender dran. Das hat etwas sehr leichtes und verspieltes, aber auch zugänglich und emotional. Mir hat diese Sprache gut gefallen, um eine Geschichte zu erzählen. Und es gab zum Beispiel in den 80ern die Praxis in Chile unter der Pinochet-Diktatur, dass sich viele Frauen versammelt haben und dort erzählt und dokumentiert haben, was passiert ist. Wie ihre Kinder entführt wurden, wie sie gesehen haben, wie sie ermordet wurden. Und das haben die dort auf diesen Bilder eingearbeitet und erzählt. Damals gab es keine andere Möglichkeit, um darüber zu sprechen und natürlich unter dem Deckmantel von Handarbeit, Nähen, feminisierte Arbeit haben sie da eine Sprache gefunden, um darüber zu sprechen. Das sind total beeindruckende Geschichten für mich gewesen Und ich wollte das übertragen auf meine Art, Geschichten zu erzählen von mir und wie ich meine Realität wahrnehme oder wie ich eine neue Realität erschaffen kann. 

A.S.: Wie bist du dazu gekommen, so großformatige Arbeiten zu machen? Die sind ja zum Teil zwei mal ein Meter, aber auch bis zu sieben Meter lang. Das ist dann doch eine andere Übertragung von dieser kleinen Erzählung...

S.U.: Ja, weil ich will Platz einnehmen, ich will Raum einnehmen auf Ausstellungen. Ich will nicht untergehen. Ich will wirklich gesehen werden. Ich will diese Bühne für mich und das geht am besten mit Größe. Dann weiß ich, diese ganze Wand ist meine. Und ich kann dann machen, was ich will. 

A.S.: Und wie gehst du dann vor? Wie entstehen dann diese Bilder? Machst du zuerst Skizzen, wie entwickelst du, bis die fertig sind? 

S.U.: Also ich gehe meistens von meinem Körper aus, ich nehme oft Fotos von mir oder posiere extra für diese Fotos mit dem Handy und nehme diese Fotos dann als Ausgangspunkt. Ich zeichne das nach, versuche zu abstrahieren, überlege, welches Gefühl will ich erzählen. Dann habe ich diese Zeichnung, ich male das aus und überlege, welche Stoffe nehme ich dafür. Als nächstes projiziere ich auf die Stoffe diese Zeichnung drauf. Und mit einem Stift male ich das Bild nach, schneide es aus, und nähe alles zusammen wie ein Puzzle.

A.S.: Hast du da viel rumprobiert, bis du zu diesem Weg gekommen bist?

S.U.: Ja, also ich probiere immer viel rum. Aber mit jeder Arbeit, die ich mache, mit jeder Serie werde ich ein bisschen besser. Und schaffe es immer mehr zu optimieren. Also am Anfang habe ich alles mögliche gemacht, ich habe das Bild mit einem Overheadprojektor projiziert, oder das Bild riesig ausgedruckt, ausgeschnitten, zusammen getaped und dann das als Vorlage genommen. Jetzt hat mir eine Freundin erzählt, ich solle den Beamer an der Decke befestigen und dann das Bild von oben auf den Stoff draufprojizieren, dann muss ich das nicht an der Wand befestigen.

A.S.: Aber toll, ich verfolge das schon seit ein paar Jahren und sehe deinen Prozess, ich finde, sie wirken souveräner, mehr ruhiger in ihrer gesamten Komposition. Man sieht, dass da immer mehr Erfahrung dabei ist. Und du produzierst auch relativ viel? 

S.U. Ja, jetzt grade schon sehr viel, also ich glaube seit Corona. Das war für mich ein Wendepunkt. Weil da hatte ich so viel Zeit, aber keine Ausstellung mehr, keinen Auftrag. Und dann habe ich angefangen, nur für mich zu produzieren. Ich habe Selfies gemacht von mir in meiner Wohnung und hab das dann als neues Motiv verwendet. Das war für mich sehr toll und ich hatte Bock viel mehr als sonst davon dann zu produzieren. Ich bin in der Zeit dann auch kleiner mit meinen Formaten geworden. Ich hatte nicht mehr so viel Stoff und diese Textil-Geschäfte waren alle geschlossen in Wien. (Also da habe ich noch in Wien gewohnt.) Und niemand wusste, wie lange es noch dauern wird. Deswegen habe ich dann versucht, das Ganze sparsam zu machen. Das war eine sehr gute Erfahrung, dann konnte ich in zwei Tagen ein Bild machen statt in 2 Wochen. 

A.S.: Du sagst selbst, dass du Stoff nimmst, weil es ist sozusagen eine Negativform des Körpers ist. Erzähl ein bisschen was dazu. Warum? Was verstehst du darunter? Wie hilft das dir, das Körpergefühl künstlerisch zu verarbeiten?

S.U.: Ja, ich finde, Stoff hat eine andere Zugangsebene als Leinwand oder Papier, es ist etwas, was man anfassen will. Das hat eine Körperlichkeit und das hat eine andere Ausstrahlung, als wenn ich etwas Gemaltes oder Gezeichnetes anschaue. Ich hatte eine Professorin (Zeynep Sahin) und wir haben über meine Arbeiten gesprochen. Sie hat mir erzählt, das Interessante an den Arbeiten ist, dass ja auch unsere Kleidung aus Stoff gemacht ist. Und unsere Kleidung sind auch Negative von unserem Körper. Das fand ich eine sehr interessante Vorstellung, dass ich also dann meinen Umriss als Negativ ausbreite und darauf wieder einen neuen Körper mache. Also wie ein Erweiterung von mir, wie eine Verknüpfung von meinem Körper auf den anderen Körper. Da sind viele Bilder direkt bei mir entstanden durch diese Formulierung. 

A.S.: Ich finde es sehr faszinierend, dass deine Körper so viel erzählen, obwohl sie abstrahiert sind. Sie haben kein konkretes Gesicht, sondern nur den Umriss oder angedeutete Linien und trotzdem, durch die Haltung, drücken sie total viel aus, obwohl sie kein Gesicht, keine konkrete Mimik haben. Ich habe mich gefragt, woher das kommt, dass sie keine Gesichter haben.

S.U.: Ich glaube, das hat ästhetische Gründe. Das sah einfach nicht so gut aus. Meine Arbeit ist alles mit der Hand gemacht. Ich arbeite sehr grob und bin nicht so exakt, nicht so genau. Und Körperteile wie Augen, Mund, Nase, sind sehr genaue Formen. Wenn es dabei einen Millimeter nach da oder da geht, dann hat das einen ganz anderen Ausdruck. Und es war für mich dann wieder zu viel Inhalt. Wenn es kein Gesicht gibt, dann liegt auch der Schwerpunkt mehr beim Körper. Sonst schaut man ja auch nur auf das Gesicht. Auch jetzt schaue ich vorallem bei unserem Gespräch auf deine Augen, und nicht so viel auf deine Körpersprache, aber die erzählt auch was. Wenn jetzt dein Gesicht nicht da wäre und nur unsere Körper miteinander sprechen, dann wäre das Gespräch sicherlich ein ganz anderes. Das find ich interessant, wenn das Gesicht nicht da ist, dann der Sprache des Körpers mehr Raum zu geben. Und ich möchte auch noch was erzählen zu den Farben. Ich arbeite ja überwiegend mit Pastellfarben, mit sehr harmonischen Farben, die weich sind. Rosa, lila, pink und so weiter. Mit ist es dabei sehr wichtig, einen Raum zu erschaffen, der ebenfalls weich ist und erlaubt, verletzlich zu sein. Der ermutigt, sich so zu zeigen, wie man ist, der welcoming ist. Dass man Lust hat, sich das anzuschauen, da reinzugehen in die Erzählung von dem Bild. Ich hatte dieses Jahr eine Ausstellung in Berlin in der “Galerie im Turm”, und da haben wir die Wände alle lila gestrichen. Wenn das geht, dann mach ich das auch, damit der ganze Raum Lust macht zum Reingehen und auch die Nähe zu meinen Inhalten leichter zu machen, leichter zum Aushalten.

A.S.: Um dann nochmal zum Thema der Ausstellung zurück zu kommen: Inwiefern ist für dich deine künstlerische Arbeit eine Form von Befreiung? Oder in einem therapeutischen Sinne eine Form der Heilung oder Verstärkung von sich selbst? 

S.U.: Ja, ich würde sagen, in der Kunst kann man machen, was man will, also fast alles. Und ich glaube, das ist für mich so toll, denn dann ist das meine Welt und ich bin da die Königin. Ich kann da machen, was ich will und ich kann da meine Geschichte erzählen. Ich kann fiktive Welten erschaffen, ich kann meine Gefühle ausdrücken. Es gibt so viele Möglichkeiten und das ist für mich sehr wichtig für mein Selbstverständnis, dass ich mich so sehe, wie ich bin, in meiner ganzen Komplexität, das kann ich dann da visualisieren. Und auch andere Leute ansprechen, andere Leute erreichen. Das ist mir auch extrem wichtig. 

A.S.: Inwiefern versuchst du über deine Bilder Kontakt aufzubauen? 

S.U.:Ja, also in meiner Arbeit geht es ganz viel um Repräsentation. Also um Repräsentation von Braunen und Schwarzen Körper, von nicht-weißen Körper. Ich will, dass man die sieht, weil das passiert nicht so oft in der Kunst. Und ich will, dass Leute wie ich ins Museum gehen und sagen können, “Ah, es bin ich!” oder “Das könnte ich sein, ich könnte auch solche Kunst machen!”. Also ich möchte eine Öffnung vom Kanon für nicht-normative Körper. Und es gibt zum Beispiel eine Künstlerin, Fannie Sosa, sie hat ein Video gemacht, das heißt “Cosmic Ass”, und ich habe es damals gesehen vor fünf Jahren oder so, und das war für mich sehr wichtig, dieses Video zu sehen. Sie spricht in diesem Video über ihren Arsch als Empowerment Tool. Und sie steht da mit ihrem Körper, der mich so an meinen erinnert, und hält da ganz selbstverständlich eine Lecture über sich und ihren Körper. Da habe ich nur gedacht, “wow”, ich habe sowas noch nie gesehen, das könnte ich sein. Das war für mich ein Knackpunkt und ich habe gedacht, “Genau solche Kunst will ich machen”, Kunst, die Leute anspricht, die sich sonst nicht angesprochen fühlen und dann Lust haben, ihre Geschichte zu erzählen, ihre Realitäten, die sonst nicht abgebildet werden. 

A.S.: Also Bestärkung über ‘sich wiederfinden’? 

S.U.: Ja, über Identifikation.

A.S.: Grade dieses ‘sich wiederfinden’ und gespiegelt werden, und nicht immer nur weiße Gesichter oder weiße Narration.

S.U.: Ja, ich glaube, man kann oft sich nur das vorstellen, was man schon gesehen hat. Wenn man einen kleinen Ausschnitt von dem, was möglich ist, schon irgendwo anders gesehen hat, kann man sich daraus auch was Neues erschaffen. Wenn man sich nie selbst irgendwo gesehen hat, auf einer Leinwand, im Museum oder in einem Magazin, dann ist es glaube ich schwieriger, sich vorzustellen: Ich kann das auch, ich existiere auch, meine Realität hat eine Daseinsberechtigung. 

A.S.: Also, es geht um die Botschaft: “Du bist sichtbar und du darfst dich zeigen, wir sehen dich.” 

S.U.: Ja, deswegen will ich so viel Platz wie möglich.

A.S.: Du arbeitest auch als Körpertherapeutin. Inwiefern hat diese nicht-künstlerische Arbeit Einfluss auf deine künstlerische Arbeit? Inwiefern hat das dein Selbstgefühl des Körpers beeinflusst – und dann die Form der Darstellung?

S.U.: Also ich glaube, da gehts mir auch um Empowerment. In meiner Kunst geht es mir darum, auf repräsentativer Ebene, also auf strukturelle Ebene, etwas zu verändern. In der Körpertherapie will ich auch verändern, aber auf persönlicher Ebene. Da will ich also auch emanzipatorisch arbeiten. Ich glaube, dass es diese verschiedenen Ebenen braucht, um eine Veränderung in der Gesellschaft anzustoßen. Deswegen habe ich mich für diese zwei Sachen interessiert. In der Körpertherapie lernen die Leute, wie sie selbstständig sich befreien können von ihren Mustern, und in meiner Kunst ziele ich auf die Imagination der Leute. Für mich persönlich ist es natürlich auch eine super Ergänzung, weil ich dann auch lerne, meinen Körper besser zu fühlen, mehr zu spüren, weniger zu denken und besser umzugehen mit Herausforderungen im Alltag, die vor allem im Kopf entstehen. Der meiste Druck und der meiste Stress wird im Kopf produziert und wir können lernen, dabei immer noch zu atmen und runterzukommen. 

A.S.: Es braucht wahrscheinlich immer einen Prozess, man kann sich nicht von heute auf morgen von etwas befreien, zwei Schritte vor, ein zurück. 

S.U.: Ja, das stimmt, eigentlich ist es etwas sehr simples, aber es ist überhaupt nicht einfach. 

A.S.: Zum Abschluss würde ich noch kurz fragen: Wie wünschen wir uns eine diverse Gesellschaft? Was ist ein Wunsch oder eine Utopie, die du hast? Wie könnte eine Stadtgesellschaft aussehen, in der du dich wohl fühlst?

S.U.: Große Frage... Also ich muss sagen, jetzt mit meinem Umzug nach Berlin fühle ich mich viel wohler als davor in Wien, weil das Stadtbild viel diverser ist. Man sieht viel mehr verschiedene Hautfarben, Körperformen. Ich habe auch das Gefühl, in Berlin sind die Leute viel offener und viel kommunikativer. Das finde ich richtig toll, dass ich überall ins Gespräch komme oder schon im Gespräch bin. Zum Beispiel gestern auf dem Fahrrad war ich an der Ampel und eine Krähe hat einfach eine Taube fallen lassen. Und um mich herum haben alle reagiert und zueinander gesprochen: “Hast du das gesehen?!”, “Was war das?”, und dann ist die Ampel wieder auf Grün und alle sind wieder weitergefahren. Solche Interaktionen finde ich toll, denn dann bin ich in Kontakt, dann fühle ich mich zugehörig. Jetzt mit Corona ist das natürlich blöd, denn diese Räume gibt es fast nicht mehr, in denen man sich einfach so begegnen kann. Also auch z.B. Ausgehen ist für mich eine wichtiger Ort, die Clubszene und Tanzen gehen. Da trifft man die Leute, die nicht Teil sind von meinem kleinen Kreis, einfach so, ganz leicht und unvermittelt. Das fehlt voll und ich glaube, wenn es so weitergeht, dann wird es richtig schlimme Konsequenzen haben für die Gesellschaft. Es gibt jetzt schon viel weniger Durchmischung, man muss alles besser planen, organisieren und bleibt viel mehr unter sich. 

A.S.: Ja, ich glaube, deshalb ist es so wichtig, dass das Fluctoplasma stattfindet, trotz der ganzen Schwierigkeiten und Einschränkungen, aber um ein Signal zu senden: hey, ihr seid nicht alleine.

S.U.: Genau. Ihr macht diesen Begegnungsraum wieder auf. Also ich glaube, Kunst kann das noch irgendwie schaffen. Also unter den jetzigen Umständen, dass man Räume erschafft, wo Interaktion stattfinden kann zwischen verschiedenen sozialen Gruppen. Auch wenn die Kunst sehr elitär sein kann und da oft nur das gleiche Milieu hingeht. Aber ich glaube, bei einem Festival ist das nochmal etwas anderes. Ihr seid nicht institutionalisiert und da gibt viel mehr Freiheit für die Durchmischung. 

A.S.: Dann danke ich dir soweit. Vielen Dank Sophie Utikal für dieses spannende Gespräch. Wir freuen uns sehr, dass du Teil der Ausstellung in Ernst Deutsch Theater bist.

S.U.: Danke für die Einladung. Danke dir Ayna, das hat mir auch Spass gemacht.

Photos: Sophie Thun

I am a textile artist and create sensual worlds that encourage my audience to be vulnerable with each other. My centerpiece is always my brown body and a feeling I translate. I sew by hand and my works can go up to 7 meters. I want to own the space with my works and to dominate with my softness.

Meine Kunst ist für diejenigen, deren Biografien nicht medial oder strukturell repräsentiert werden: Erste, zweite, dritte Generationen von Migrant*innen in Deutschland, Hybride, die ständig rausfallen und sich ihre eigenen Communities neu begründen müssen. Ich glaube, dass es notwendig ist, in der eigenen Komplexität gesehen zu werden, um zu sein. Das möchte ich mit meinen Bildern bewirken. 

Interview with magdalena adameczek
from guest rooms xyz

february 2021

M.A.: The first thing that intrigued me in your textile works is the context in which you depict the female body. Even though you portray very intimate situations, often the women figures are in a way dehumanized, as they lack facial features. In “Curanado/Catching my own tears”, which pictures a crying girl, we can see no eyes but the teardrops falling. You seem to focus on the colour of skin and hair of the women rather than the details of their facial features.

S.U.: My focus in my art is the body and its language. I start my drafts with my own brown body and my black hair, and think of scenarios that transmit a feeling I want to talk about. It can be for example my anxiety because of the climate crisis, despair within loneliness, trust in the face of change. I think if I would add facial features then they would distract from what the body is telling in these moments, since this is what usually happens. We have conversations with our faces but not with our bodies, at least not consciously. 

M.A.: Your women are often curled up alone on the bed, tied with ropes, or grief-stricken, although you present these situations with delicate, pastel colors. Where does this contrast come from?

S.U.: I am interested in the ambivalences that come with a crisis. It can be painful but usually can teach me something. In the best case, I don’t stay stuck in the crisis but move on to transformation. So if I want, the pain can become my teacher. But to get this motivation for change, I first have to admit what is going on inside of me. I want my women to have this power to change what is hurting them and for that, I believe they need to enter a vulnerable space at some point. I want to create this soft and welcoming environment within themselves. Being vulnerable is frightening and I hope in the process I can learn from them.

M.A.: How everyday life and the pandemic situation inform your work? Do the series ‘Quarantine’ and this unusual situation have a special place in your overview?

S. U.: All of my everyday life is in my works. The books I read, news I watch, things that move me, scare me, everything. I digest it in my textile works. Since I sew by hand I can slow down and stay with one experience for several days or weeks. Now with the coronavirus, of course, things have changed. I moved to Berlin last summer and I am without a social network for quite a while now. I am a very social person so these limitations are depressing for me. But I am privileged and grateful that I can continue working as an artist and when I work, I completely forget about my isolation. It is my escape, so I am now working most of the time. The ‘Quarantine’ series is special for me because I started working on a smaller scale. I did not know how long the lockdown would continue and how long the fabrics I still had at home would last. So my works were then only 1m long instead of 4 or 5m. Also, I started producing textile works just for me, my home, and my own pleasure, without having an exhibition or curator in mind. Returning to this decorative function is also the initial idea of the arpilleras, which are little textile images in South America that depict everyday life and have the aim of bringing memory and beauty to the home. I have been familiar with these images since childhood and they have been an inspiration for me to start with this medium of figurative textile storytelling. 

M. A.: Your knowledge of human carnality is impressive. Would you like to tell me more about the Grinberg Method in your practice?

S. U.: I think you can find many aspects of the philosophy of the Grinberg Method in my work. The Grinberg Method is a teaching method on how we limit ourselves in life and how this becomes very evident in our bodies. I studied to become a Grinberg Practitioner, that is a person who guides you 1:1 through your patterns and helps you become aware of your body in the situations you want to change. The  idea is that we create most of our patterns because we were afraid of a painful situation in the past, probably for very good reasons. For example, I was afraid of being alone as a child, so I became very good at staying in toxic relations until today, even though my reality has changed and I am not a child anymore. Of course, we create a lot of our patterns because of the structural injustice we live in. Capitalism has created a hostile and inhuman society and any form of oppression is traumatizing. It can disturb our sense of safety, dignity, belonging, if we do not learn how to process what happened. When I learn to heal, then I am able to bring all of myself into the present situation and unlock the power that I lost. So you see that the Grinberg Method is about personal emancipation, trusting the body, and being brave enough to be vulnerable. These are elements of my works as well. I think all bodywork methods aim at emancipation on a personal level while art tries to do this on the level of our imagination. I think these are processes that need to come along with social organizing for a broader liberation in our society.

M. A.: “My technique, in which the black thread remains visible, is based on textile works that are made by women in my family in Colombia and with which I have been familiar since childhood. In the pictures, I use the representation of my body as a starting point to tell stories based on traumatic as well as pleasurable experiences of migration and self-empowerment as a woman of color in Austria”, as you put it in another text I came across. Women’s intimacy or the absence of brown women or various body types - these notions seem to be touched upon in your work, both from ethical and sexual angles. You have lived in Berlin recently. What would you say the city and its local scene still offers the newcomers and emerging artists, and how does the problem of diversity present itself?

S. U.: Well, it is hard to tell because everything is on hold at the moment. But on my personal level Berlin and especially Neukölln has still given me a sense of home and belonging because of its very diverse migration population. The last seven years that I lived in Vienna in Austria were often difficult for me, because I faced direct racism in everyday interactions from the very beginning of my stay. I had not made this experience before while growing up in Germany and it made me feel more anxious and insecure in public spaces, often I wished to be invisible. Since I came to Berlin I have a completely different relation to my surroundings, I feel like I own the city because I live in a neighborhood with so many people that look like me.

M. A.: However, not only the women's body is visible in your work. In “Starry Night”, presented as a large-format installation on Karlsplatz in Vienna, you depicted a car hanging on in the air upside down seconds before it crashes. It seems like this one stands out from other works made by you. 

S. U.: My work “Starry Night” is a crashing German police car and a critique of the police as an institution. I was imagining myself in the future where the police does not exist anymore and is washed ashore as a relic from the past. The police and how it is functioning right now scares me and I believe that it needs to be abolished and new community-informed groups must be built. I know that this will require other re-imaginations of our society on every level to keep life safe for everyone, but I believe that it is part of an artist's job to trace how this might look like. There is already a lot of great work on this topic here https://abolitionistfutures.com/full-reading-list and here https://www.themarshallproject.org/records/3382-police-abolition 

M. A.: I'm curious what is on your reading shelf. Is there anything you would like to share? 

S. U.: I'm currently reading two books by Alexis Pauline Gumbs right now. One is called “Undrowned: Black Feminist Lessons from Marine Mammals” and the other “M Archive: After the End of the World”. I love both books because Gumbs turns her black feminist theory of liberation into a narrative that is personal, poetic, and very accessible. Both books work with powerful metaphors that are changing how I perceive the sky, the sea and our society. There are also great podcasts with Alexis Pauline Gumbs which I have been listening to while I sew. These two I liked a lot: https://open.spotify.com/episode/4WHd2kIyzN8cZQcwh07TaH?si=NiUmJ3OGQB2NLYjsrtyhJA and the other is https://open.spotify.com/episode/5InxYtaXwTOB09iygQl1EM?si=9eAhgrODRdKrRxqfY18xIw 

LINK to the interview on Guest Rooms XYZ

In preparation of Sophie Utikal’s solo show at WE DEY x SPACE, Sunanda Mesquita asked Sophie Utikal, a few questions about her artistic practice and what she is expecting from exhibiting in this particular space focused on BPoC arts in Vienna. Her current series “Threads of Selves” is on view from 12th -29th of October 2017 at WE DEY x SPACE, Kandlgasse 24, 1070 Vienna.

S.M.: Thanks Sophie for taking your time! How would you choose to introduce yourself to someone who doesn’t know anything about your art works yet?

S.U.: My work is about stitching together textile fragments into self portraits of the different landscapes and imageries I see within my body. I use very soft and harmonic colors but stitch everything together with black thread, this makes the borders seem very rough. Because my drawings do not care so much about the “right” proportions and are very simple, the images look childish, which I really like a lot. And still, my technique of sewing everything together by hand is such a difficult and also intense process. I think my images are about breaking binaries of simple/complex, soft/hard, beautiful/disturbing, superficial/deep.

S.M.: Textile art production is embedded in many indigenous communities and communities of color- can you tell us a bit more about your work process and if/how you are referring to these herstories? What made you start to work in this medium?

S.U.: Yes, this is true, the women in my mother’s family from Colombia work with textile and produce textile images that are very simple and complex at the same time. They depict scenes from the everyday life on the countryside, farm animals, trees and houses. I was always fascinated by these images and wanted to apply their storytelling to my surroundings, my body and point of enunciation. The way the borders of my textile fragments are stitched together is a very clear reference to their works. In my case though, I chose to use a black thread to emphasize every stitch I make, instead of hiding them, which would a more common method. I want to make the process and the work visible which are necessary to create these highly complex artworks which are usually called naive art in the Colombian context.

S.M.: Can you tell us more about the series “Threads of Selves”, which you are going to exhibit at WE DEY x space?

S.U.: It is a series of my bodies in different situations and moments I have experienced. You can see me in very powerful positions, flexing into all directions throwing knives towards my surroundings but also in more calm in melancholic moments, lying around in my bed on an island. On one image I am embracing another body, we flow into each other and thereby create a new body of fragmented bits and pieces. Right now I am working on a new piece for the exhibition which will show me in a position I learned for healing traumas. You lie on your back and lift your pelvis until it starts shaking by itself. This movement is very common also for some animals like rabbits, that after the moment of danger and shock has passed they start trembling all over their body to release the anxiety and fear. Humans usually do not do this, so the trauma might stay within their body forever. My images are my own way of storytelling and making my insides visible.

S.M.: You are planning a workshop named “Stitching Stories” which will focus on collective textile painting making. Can you tell us who the workshop is for and what you are imagining as a possible outcome?

S.U.: The workshop with be exclusively for Black People and People of Color. And as a possible outcome I wish to manifest ourselves into a material form, while connecting what was meant to stay separate. While stitching we will talk, relax and meditate on what it feels like to inhabit our bodies and how we navigate ourselves through our everyday life. I will provide all material necessary. There will be drinks and snacks. The workshop is for free. All skills are welcome.

S.M.: Where & how was your work presented before and what did you like about it/ what would you want to be different this time at WE DEY x space? What are your expectations?

S.U.: Until now my work was presented in informal everyday life settings of my home or of friends. I wouldn’t mind if bigger institutions would invite me to do a solo show, since i still depend on their capital (resources, prestige, networks, cash). Still, I would not expect the audience to identify with my works or be touched on an emotional level. I am sorry to say that in Vienna the big institutions are still white ones, that also attract a white audience with their own white reality. Since my images deal with my body which is outside of the white eurocentric norms, I think the gap will be too big to feel what I feel in my works, but of course I am open for surprises and even hope that my works can create connections where there were none before.

As WE DEY is a self-organized space by black and people of color I also hope for an audience of Black and People of Color. I am the most happy when I feel understood and I really hope that this will happen with people who share some of my experiences as a Woman of Color.

S.M.: We have focused previously on the topic Self Care at WE DEY x SPACE- I would be very interested in knowing what does radical self care mean to you? Did you work before with this particular focus?

S.U.: The process of creating, feeling my body and recognizing myself in Others is what radical self care means to me. This can be writing a letter to my ass and designing free posters with a portrait of me embracing my butt and the love messages I feel for my body. This is what I did in my other work called “culo con orgullo”. Connected to this work I also did a writing workshop, where all the participants wrote love letters to one of their body parts, then we exchanged the letters and another person answered from the perspective of the addressed body part. It was a very intense, funny and healing experience for all of us.

S.M.: Thank you Sophie Utikal I am looking forward to your Vernissage this Thursday 12th of October!

Sunanda Mesquita
Co-founder of WE DEY

LINk to the interview on we dey

Photos: Sophie Thun